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Hans Holbein der Jüngere Zeitleiste

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Hans Holbein der Jüngere Zeitleiste - Geschichte

Gepostet von Adam Busiakiewicz:

Der Telegraph haben einen Artikel von Franny Moyle veröffentlicht, die das früheste Porträt von Hans Holbein dem Jüngeren (ca. 1497-1543) gut sichtbar versteckt gefunden haben könnte. Ihr Artikel beschreibt einen Besuch in der Staatsgallerie in Augsburg, wo sie einen prominenten Jungen bemerkte, der im Denkmal von Holbein dem Älteren für die Familie Walther (im Bild) zu sehen war. Bekanntermaßen zeigt die Galerie ein weiteres Werk von Holbein dem Älteren, das zwei blondhaarige Jungen zeigt, die seit langem als Hans (der Jüngere) und sein Bruder Ambrosius (siehe unten) identifiziert wurden. Viele Leser werden sicherlich von der Zeichnung des Paares in Berlin wissen. Das Familiendenkmal Walther entstand, als Hans fünf Jahre alt war.

Der Vergleich zwischen diesen Zahlen ermutigte Moyle, sich mit mehreren Gelehrten in Verbindung zu setzen, um zu sehen, ob ihn noch jemand entdeckt hatte. Es scheint, dass niemand anderes hatte. Tatsächlich wird ihre Theorie seitdem von Dr. Bodo Brinkman, Kurator für Alte Meister am Basler Kunstmuseum, das eine bedeutende Sammlung von Werken Holbeins beherbergt, bestätigt.


Holbein in England

Die Reformation machte es Holbein schwer, sich als Künstler in Basel, Schweiz, zu ernähren, und er reiste 1526 nach London. Erasmus versorgte ihn mit einem Empfehlungsschreiben an den englischen Staatsmann und Schriftsteller Sir Thomas More. Holbein malte viele Porträts am Hof ​​Heinrichs VIII. Dort entwarf er Staatsroben für den König. Er entwarf auch viele der extravaganten Denkmäler und Dekorationen für die Krönung von Henrys zweiter Frau Anne Boleyn im Sommer 1533.

Mehrere erhaltene Zeichnungen von Anne Boleyn werden Holbein zugeschrieben. Das eine zeigt eine Frau mit eher plumpen Gesichtszügen, gekleidet in ein schlichtes Nachthemd und eine Haube. Einige haben gesagt, dass dies die Königin während der Schwangerschaft zwischen 1533 und 1535 zeigt, aber neuere Forschungen zeigen, dass das Subjekt höchstwahrscheinlich eine von Annes Hofdamen ist, möglicherweise Lady Margaret Lee oder ihre Schwester Anne Wyatt. Es ist wahrscheinlicher, dass das fertige Porträt, das Holbein von Anne Boleyn gemalt hatte, zerstört wurde, nachdem sie am 19.

Holbein malte Henrys dritte Frau, Jane Seymour. Er malte auch Janes Schwester Elizabeth Seymour, die den Sohn von Thomas Cromwell heiratete. Dieses Porträt wurde fälschlicherweise als Henrys fünfte Frau, Königin Catherine Howard, identifiziert, als es im viktorianischen Zeitalter entdeckt wurde. Nach Seymours Tod malte Holbein Christina von Dänemark während der Verhandlungen über ihre bevorstehende Heirat mit Heinrich VIII. Die Ähnlichkeit fand Henrys Zustimmung, aber Christina lehnte das Angebot der Ehe ab, da sie den Wunsch begründete, ihren Kopf zu behalten.

Holbein malte auch Anna von Kleve für Heinrich VIII. Henry kritisierte das Porträt als zu schmeichelhaft, es scheint wahrscheinlich, dass Henry von extravagantem Lob für Anne mehr beeindruckt war als von Holbeins Porträt. Es gibt einige Debatten darüber, ob eine Porträtminiatur einer jungen Frau in einem goldenen Kleid und Juwelen tatsächlich Holbeins Gemälde von Henrys fünfter Frau Catherine Howard ist oder nicht.


Der Körper des toten Christus im Grab (1521)

Auf dieser Tafel hat Holbein ein lebensgroßes Bild von Christus geschaffen, der in seinem Grab liegt. Die grünliche Tönung der Haut, insbesondere um die Wunden an Hand, Füßen und Rumpf, sowie im Gesicht suggeriert die Verwesung von Fleisch und ergibt ein fast groteskes Bild. Anstatt ein Gefühl von Ruhe oder Frieden zu erzeugen, werden Mund und Augen weit geöffnet gezeigt, so dass der Schmerz, den man am Kreuz ertragen musste, bis in das Grab hineinreicht. Diese Elemente betonen die Menschlichkeit Christi gegenüber seinem göttlichen Status, und dies wird dadurch verstärkt, dass der unnatürlich gedehnte und abgemagerte Körper in einem unangenehm engen Raum eingeschlossen ist, was ihm eine unangenehme Klaustrophobie verleiht.

Die Aussparung, in die Christus gelegt wird, ist mit einer unglaublichen Tiefe bemalt, was den Realismus des Stücks verstärkt. Dies wird noch verstärkt durch die losen Haarsträhnen Christi, die über den Rand der Liegefläche gefallen sind und sein Finger, der ebenfalls über den Rand in die Ebene des Betrachters greift und die Dimensionalität des Raumes verstärkt. Dies ist ein frühes Beispiel für Holbeins Verwendung von trompe l'oeil, eine Technik, die er später in vielen seiner Porträts mit großer Wirkung anwenden sollte.

Es ist möglich, dass die Tafel als Teil eines Heiligen Grabes, anstelle einer Skulptur oder vielleicht als Deckel über einem Grab gedacht war. Über dem Körper halten Engel Passionsinstrumente und eine lateinische Inschrift lautet "Jesus von Nazareth, König der Juden". Der Kunsthistoriker Oskar Bsatschhmann stellt fest, dass „Holbein das Bild des ruhenden Christus in die schreckliche Vision eines Leichnams, eines zum Tode Verurteilten, verwandelte. Nur der spezifische Charakter der Wunden verrät die Identität Christi.“ Obwohl die Faszination für das Makabre ein gemeinsames Merkmal der frühen protestantischen Künstler war, die von den apokalyptischen Schrecken der Reformation durchdrungen waren, ist dies nicht die einzige Art, Holbeins blutige Interpretation zu sehen. Das verrottende Fleisch unterstreicht auch das reine Wunder der Auferstehung, das auch nach dem Verfall des menschlichen Körpers eingetreten ist.

Darmstädter Madonna (1526-28)

Dieses Schutzmantelbid oder Gemälde "Jungfrau des Mitleids" ist auch als das Madonna von Jakob Meyer zum Hasen, zeigt Jakob Meyer, einen Basler Beamten, der für sich und seine Familie göttlichen Schutz angerufen hat. Er ist links dargestellt, seine Augen blicken nach oben zum Himmel. Ihm gegenüber stehen seine beiden Ehefrauen, seine erste Frau, die 1511 verstorbene Magdalena Bär, hinten im Profil, vorne seine zweite Frau, Dorothea Kannengiesse, in Dreiviertelansicht. Vor ihnen kniet ihr einziges überlebendes Kind, Anna, aber links, vor Meyer, werden seine beiden verstorbenen Söhne vermutet. Über ihnen thront die Madonna, die das Christuskind wiegt. Der Teppich mit Schnallen, auf dem sie stehen, demonstriert Holbeins Fähigkeit, lebensechte Textur und Licht zu schaffen, dient aber auch als Symbol für Reichtum und zieht den Betrachter in den Bildraum, damit auch er in die Gruppe aufgenommen wird und die Göttlichkeit teilt geschenkt von der Madonna und dem Christkind. Dies ist eines von Holbeins berühmtesten religiösen Werken, und die Kunsthistorikerin Helen Langdon schreibt seinen Erfolg "seiner Darstellung individueller menschlicher Identitäten in Kombination mit spektakulärer räumlicher Kontrolle und Illusionismus" zu.

Wie bei der Darstellung Christi in seinem Grab bezieht Holbein menschliche Elemente in die Einzelporträts von Stifter und Familie, insbesondere aber in die Madonna mit Kind ein. Die Verdrehung des Körpers des Säuglings dient der Betonung des körperlichen Gewichts, das die Mutter in den Armen trägt. Für die Madonna selbst ist ihr Gesicht keine stereotype Darstellung in der Tradition italienischer Renaissance-Maler wie Raffael, sondern nach dem Vorbild von Magdalena Offenburg gemalt. Auf diese Weise behält das Gemälde die Weichheit der italienischen Tradition (insbesondere in der Darstellung der beiden Jungen), bringt aber auch den Realismus der Nordrenaissance zum Tragen, wie Langdon bemerkt: "Holbein hat eine Kombination aus Frömmigkeit und Größe erreicht, und Interaktion zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen, um mit der von Van Eyck selbst zu konkurrieren." Das daraus entstandene Gruppenporträt ist weit mehr als ein einfaches Andachtsbild und markierte als letztes religiöses Hauptwerk Holbeins seine Zukunft in der Porträtmalerei.

Porträt von Georg Giese (1532)

Dieses Porträt des wohlhabenden Kaufmanns Georg Giese zeigt den Händler in Dreiviertelansicht, der hinter einer mit Teppich ausgelegten Theke steht, auf der verschiedene Gegenstände verteilt sind. Der Name des Dargestellten steht links an der Wand, zusammen mit seinem Motto "kein Vergnügen ohne Reue". An beiden Wänden hängen Buchstaben, die ihn identifizieren und familiäre Verbindungen zu anderen Kaufmannsfamilien markieren und ein Netzwerk wichtiger Verbindungen signalisieren. In diesen trompe l'oeil Details ist Holbein so weit gegangen, die Schrift von Gieses eigener Hand auf einem Teil der Korrespondenz nachzubilden. Unter den vielen symbolischen Objekten sind Nelken, die eine Verlobung oder Verlobung symbolisieren, eine Uhr, die auf den Lauf der Zeit anspielt, sowie eine Sammlung von Werkzeugen, um den Beruf des Dargestellten zu stärken, und eine Reihe von Details, die auf Reichtum hinweisen. Gieses Blick ist auf den Betrachter gerichtet und erlaubt ihm, den Raum zu dominieren, so dass der Blick auch inmitten einer geschäftigen Ansammlung von Objekten auf ihn gelenkt wird. Holbeins künstlerisches Können zeigt sich besonders in der filigranen Glasvase und den Ärmeln von Gieses Jacke, die ein manieristisches Interesse an Oberflächenstrukturen zeigen. Dieser Realismus beeinflusste später die Befürworter des Naturalismus in der Porträtmalerei im 19. Porträt des Prinzen von Wales (1879-80).

Dieses Porträt markiert das erste große Werk Holbeins zu Beginn seines zweiten London-Aufenthalts vor seiner königlichen Ernennung. Es veranschaulicht seine Entwicklung in der Porträtmalerei und den Einfluss anderer Künstler der Renaissance auf ihn, insbesondere Tizian. Die Pose und der seitliche Blick erinnern an die des italienischen Künstlers Mann mit gestepptem Ärmel (1510). Gleichzeitig war die zart bemalte, lichtreflektierende Vase ein typisches Merkmal der frühen niederländischen Malerei und deutet auf eine Verschmelzung von Einflüssen im Werk des Künstlers hin, die seinen Stil der Porträtmalerei prägten. Der anhaltende Erfolg dieses Porträts zeigt sich in seiner Verwendung auf der deutschen 100.000-Mark-Banknote im Jahr 1923.


Inhalt

Frühe Karriere Bearbeiten

Holbein wurde im Winter 1497/98 in der freien Reichsstadt Augsburg geboren. [11] Er war ein Sohn des Malers und Zeichners Hans Holbein d. Ä., dessen Beruf er und sein älterer Bruder Ambrosius ausübten. Holbein d. Ä. betrieb in Augsburg eine große und geschäftige Werkstatt, manchmal unterstützt von seinem Bruder Sigmund, ebenfalls Maler. [12]

Bis 1515 waren Hans und Ambrosius als Malergesellen in die Stadt Basel gezogen, einem Zentrum der Bildung und des Buchdruckerhandwerks. [13] Dort wurden sie bei Hans Herbster, dem führenden Maler Basels, in die Lehre gegangen. [14] Die Brüder fanden in Basel Arbeit als Gestalter von Holz- und Metallschnitten für Drucker. [15] 1515 forderte der Prediger und Theologe Oswald Myconius sie auf, Federzeichnungen an den Rand einer Kopie von Das Lob der Torheit des Humanisten Desiderius Erasmus von Rotterdam. [16] Die Skizzen liefern frühe Beweise für Holbeins Witz und humanistische Neigung. Seine weiteren frühen Werke, darunter das Doppelporträt des Basler Bürgermeisters Jakob Meyer zum Hasen und seiner Frau Dorothea, folgen dem Stil seines Vaters. [17]

Der junge Holbein ist neben seinem Bruder und seinem Vater auf der linken Seite des Altartriptychons von Holbein dem Älteren aus dem Jahr 1504 abgebildet Basilika St. Paul, das in der Staatsgalerie Augsburg ausgestellt ist. [18]

1517 begannen Vater und Sohn in Luzern (Luzern) mit dem Malen von Innen- und Außenwandmalereien für den Kaufmann Jakob von Hertenstein. [19] Während seiner Zeit in Luzern entwarf Holbein auch Cartoons für Glasmalereien. [20] Aus den Aufzeichnungen der Stadt geht hervor, dass er am 10. Dezember 1517 wegen Kampfes auf der Straße mit einem Goldschmied namens Caspar zu fünf Livres Geldstrafe verurteilt wurde. [21] In diesem Winter besuchte Holbein wahrscheinlich Norditalien, obwohl keine Aufzeichnungen über die Reise überlebt haben. Viele Gelehrte glauben, dass er die Werke italienischer Freskenmeister wie Andrea Mantegna studiert hat, bevor er nach Luzern zurückkehrte. [22] Er füllte zwei Serien von Tafeln in Hertensteins Haus mit Kopien von Werken Mantegnas, darunter Die Triumphe von Caesar. [23]

1519 zog Holbein nach Basel zurück. Sein Bruder verschwindet ungefähr zu diesem Zeitpunkt aus den Aufzeichnungen, und es wird normalerweise angenommen, dass er gestorben ist. [24] Holbein etablierte sich schnell in der Stadt und leitete eine geschäftige Werkstatt. Er trat der Malerzunft bei und nahm das Basler Bürgerrecht an. Er heiratete Elsbeth Binsenstock-Schmid, eine einige Jahre ältere Witwe, die einen kleinen Sohn Franz hatte und die Gerberei ihres verstorbenen Mannes leitete. Sie gebar Holbein im ersten Ehejahr einen eigenen Sohn, Philipp. [25]

Holbein war während dieser Zeit in Basel, die mit der Ankunft des Luthertums in der Stadt zusammenfiel, produktiv. [26] Er führte eine Reihe von Großprojekten durch, wie z. B. Außenwandmalereien für Das Haus des Tanzes und interne Wandmalereien für den Ratssaal des Rathauses. Erstere sind aus vorbereitenden Zeichnungen bekannt. [27] Die Wandbilder der Ratskammer sind in wenigen schlecht erhaltenen Fragmenten erhalten. [28] Holbein produzierte auch eine Reihe religiöser Gemälde und entwarf Cartoons für Buntglasfenster. [29]

In einer Zeit der Revolution des Buchdesigns illustrierte er für den Verlag Johann Froben. Zu seinen Holzschnittentwürfen gehörten die für die Tanz des Todes, [30] die Symbole (Abbildungen des Alten Testaments), [31] und das Titelblatt der Bibel von Martin Luther. [32] Durch das Medium Holzschnitt verfeinerte Holbein sein Verständnis von expressiven und räumlichen Effekten. [33]

Holbein malte in Basel auch vereinzelt Porträts, darunter das Doppelporträt von Jakob und Dorothea Meyer und 1519 das des jungen Gelehrten Bonifatius Amerbach. Laut dem Kunsthistoriker Paul Ganz markiert das Porträt Amerbachs einen Fortschritt in seinem Stil, insbesondere in der Verwendung ungebrochener Farben. [34] Für Meyer malte er ein Altarbild der Madonna mit Porträts des Stifters, seiner Frau und seiner Tochter. [35] 1523 malte Holbein seine ersten Porträts des großen Renaissance-Gelehrten Erasmus, der Bilder an seine Freunde und Bewunderer in ganz Europa schicken wollte. [36] Diese Gemälde machten Holbein zu einem internationalen Künstler. Holbein besuchte 1524 Frankreich, wahrscheinlich um eine Anstellung am Hof ​​von Franz I. zu suchen. [37] Als Holbein sich 1526 entschloss, in England eine Anstellung zu suchen, empfahl Erasmus ihn seinem Freund, dem Staatsmann und Gelehrten Thomas More. [38] "In diesem Teil der Welt frieren die Künste", schrieb er, "und er ist auf dem Weg nach England, um ein paar Engel abzuholen". [39]

England, 1526–1528 Bearbeiten

Holbein unterbrach seine Reise in Antwerpen, wo er einige Eichentafeln kaufte und möglicherweise den Maler Quentin Matsys kennengelernt hat. [40] Sir Thomas More begrüßte ihn in England und gab ihm eine Reihe von Aufträgen. "Ihr Maler, mein liebster Erasmus", schrieb er, "ist ein wunderbarer Künstler". [41] Holbein malte das berühmte Porträt von Sir Thomas More und ein weiterer von More mit seiner Familie. Das in der Konzeption originale Gruppenporträt ist nur aus einer Vorskizze und Kopien fremder Hände bekannt. [42] Laut dem Kunsthistoriker Andreas Beyer bot es „einen Auftakt für eine Gattung, die sich erst in der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts wirklich durchsetzen sollte“. [43] Sieben gute verwandte Studien von Mehr Familienmitgliedern sind ebenfalls erhalten. [44]

Während dieses ersten Englandaufenthaltes arbeitete Holbein weitgehend für einen humanistischen Kreis mit Verbindungen zu Erasmus. Zu seinen Aufträgen gehörte das Porträt von William Warham, Erzbischof von Canterbury, der ein Holbein-Porträt von Erasmus besaß. [45] Holbein malte auch den bayerischen Astronomen und Mathematiker Nicholas Kratzer, einen Lehrer der Familie More, dessen Notizen auf Holbeins Skizze für ihr Gruppenporträt erscheinen. [46] Obwohl Holbein während dieses Besuchs nicht für den König arbeitete, malte er die Porträts von Höflingen wie Sir Henry Guildford und seiner Frau Lady Mary [47] und von Anne Lovell, die 2003 oder 2004 [48] als die Gegenstand Dame mit einem Eichhörnchen und einem Star. [49] Im Mai 1527 malte "Meister Hans" auch ein Panorama der Belagerung von Thérouanne für den Besuch französischer Botschafter. Mit Kratzer entwarf er eine mit Planetenzeichen bedeckte Decke, unter der die Besucher speisten. [50] Der Chronist Edward Hall beschrieb das Spektakel als "die ganze Erde, umgeben vom Meer, wie eine sehr Karte oder ein Karren". [51]

Basel, 1528–1532 Bearbeiten

Am 29. August 1528 kaufte Holbein ein Haus in Basel, in St. Johanns-Vorstadt. Vermutlich kehrte er in seine Heimat zurück, um seine Staatsbürgerschaft zu wahren, da er nur für zwei Jahre beurlaubt worden war. [52] Durch seinen Erfolg in England bereichert, kaufte Holbein 1531 ein zweites Haus in der Stadt.

Während dieser Zeit in Basel malte er Die Familie des Künstlers, die Elsbeth mit den beiden ältesten Kindern des Paares, Philipp und Katherina, zeigt, die Bilder der Jungfrau und des Kindes mit dem Hl. Johannes dem Täufer heraufbeschwören. [53] Der Kunsthistoriker John Rowlands sieht dieses Werk als "eines der bewegendsten Porträts der Kunst, auch von einem Künstler, der seine Dargestellten immer mit einer zurückhaltenden Zurückhaltung charakterisierte". [54]

Basel war in Holbeins Abwesenheit zu einer turbulenten Stadt geworden. Reformatoren, die von den Ideen Zwinglis beeinflusst wurden, führten Bilderstürmereien und verbotene Bilder in Kirchen durch. Im April 1529 sah sich der frei denkende Erasmus gezwungen, seinen ehemaligen Zufluchtsort nach Freiburg im Breisgau zu verlassen. [55] Die Bilderstürmer zerstörten wahrscheinlich einige von Holbeins religiösen Kunstwerken, aber Details sind nicht bekannt. [56] Die Beweise für Holbeins religiöse Ansichten sind bruchstückhaft und nicht schlüssig. „Die religiöse Seite seiner Bilder war immer mehrdeutig“, meint der Kunsthistoriker John North, „und so blieb sie“. [57] Laut einem Register, das erstellt wurde, um sicherzustellen, dass sich alle größeren Bürger den neuen Lehren anschlossen: "Meister Hans Holbein, der Maler, sagt, dass wir uns besser über den [Heiligen] Tisch informieren müssen, bevor wir uns ihm nähern". [58] 1530 forderten die Behörden Holbein zur Rechenschaft, weil er nicht an der reformierten Kommunion teilgenommen hatte. [59] Kurz darauf wurde er jedoch zu denjenigen gezählt, "die keine ernsthaften Einwände haben und mit anderen Christen mitgehen wollen". [60]

Holbein behielt offenbar die Gunst der neuen Ordnung. Der reformistische Rat zahlte ihm eine Haltegebühr von 50 Gulden und beauftragte ihn, die Arbeit an den Fresken der Ratskammer wieder aufzunehmen. Sie wählten nun Themen aus dem Alten Testament anstelle der bisherigen Geschichten aus der klassischen Geschichte und Allegorie. Holbeins Fresken von Rehabeam und der Begegnung zwischen Saul und Samuel waren einfacher gestaltet als ihre Vorgänger. [61] Holbein arbeitete gleichzeitig für traditionelle Auftraggeber. Sein alter Mäzen Jakob Meyer bezahlte ihn, um dem Familienaltar, den er 1526 gemalt hatte, Figuren und Details hinzuzufügen. Holbeins letzter Auftrag in dieser Zeit war die Dekoration zweier Ziffernblätter am Stadttor im Jahr 1531. [54] Die reduzierte Mäzenatenschaft in Basel könnte seine Entscheidung, Anfang 1532 nach England zurückzukehren, veranlasst haben. [62]

England, 1532-1540 Bearbeiten

Holbein kehrte nach England zurück, wo sich das politische und religiöse Umfeld radikal veränderte.[63] Im Jahr 1532 bereitete sich Heinrich VIII. entgegen dem Papst darauf vor, Katharina von Aragon zu verstoßen und Anne Boleyn zu heiraten. [64] Unter denen, die sich Henrys Aktionen widersetzten, war Holbeins ehemaliger Gastgeber und Gönner Sir Thomas More, der im Mai 1532 als Lordkanzler zurücktrat empfohlen wurde", so Erasmus. [65] Der Künstler fand stattdessen in den radikal neuen Machtkreisen der Familie Boleyn und Thomas Cromwell Gefallen. Cromwell wurde 1534 Sekretär des Königs und kontrollierte alle Aspekte der Regierung, einschließlich der künstlerischen Propaganda. [66] More wurde 1535 zusammen mit John Fisher hingerichtet, dessen Porträt Holbein ebenfalls gezeichnet hatte. [67]

Zu Holbeins Aufträgen in den frühen Stadien seiner zweiten englischen Periode gehörten Porträts lutherischer Kaufleute der Hanse. Die Kaufleute lebten und übten ihren Handel auf dem Steelyard aus, einem Komplex von Lagerhäusern, Büros und Wohnhäusern am Nordufer der Themse. Holbein mietete ein Haus in der nahegelegenen Maiden Lane und porträtierte seine Kunden in verschiedenen Stilen. Sein Porträt von Georg Giese von Danzig zeigt den Kaufmann umgeben von kunstvoll gemalten Symbolen seines Gewerbes. Sein Porträt des Kölner Derich Berck hingegen ist klassisch schlicht und möglicherweise von Tizian beeinflusst. [68] Für das Zunfthaus des Steelyard malte Holbein die monumentalen Allegorien Der Triumph des Reichtums und Der Triumph der Armut, beide jetzt verloren. Für Anne Boleyns Krönungsabendprozession am 31. Mai 1533 gaben die Kaufleute auch ein Straßentableau des Mount Parnassus in Auftrag. [69]

Holbein porträtierte in dieser Zeit auch verschiedene Höflinge, Grundbesitzer und Besucher, und sein berühmtestes Gemälde dieser Zeit war Die Botschafter. Diese lebensgroße Tafel zeigt Jean de Dinteville, einen Botschafter von Franz I. von Frankreich im Jahr 1533, und Georges de Selve, Bischof von Lavaur, der im selben Jahr London besuchte. [70] Die Arbeit enthält Symbole und Paradoxien, darunter einen anamorphotischen (verzerrten) Schädel. Laut Gelehrten sind dies rätselhafte Hinweise auf Gelehrsamkeit, Religion, Sterblichkeit und Illusion in der Tradition der nördlichen Renaissance. [71] Die Kunsthistoriker Oskar Bätschmann und Pascal Griener schlagen vor, dass in Die Botschafter, "Wissenschaften und Künste, Luxus- und Ruhmobjekte, werden an der Größe des Todes gemessen". [72]

Von Holbein sind keine bestimmten Porträts von Anne Boleyn erhalten, vielleicht weil ihr Gedächtnis nach ihrer Hinrichtung wegen Verrats, Inzest und Ehebruch im Jahr 1536 gelöscht wurde. [73] Es ist jedoch klar, dass Holbein direkt für Anne und ihren Kreis arbeitete. [74] Er entwarf eine Tasse, in die sie einen auf Rosen stehenden Falken eingraviert hatte, sowie Schmuck und Bücher, die mit ihr verbunden waren. Er skizzierte auch mehrere Frauen, die zu ihrem Gefolge gehörten, darunter ihre Schwägerin Jane Parker. [75] Zur gleichen Zeit arbeitete Holbein für Thomas Cromwell, als er die Reformation Heinrichs VIII. leitete. Cromwell beauftragte Holbein, reformistische und royalistische Bilder zu produzieren, darunter antiklerikale Holzschnitte und die Titelseite von Myles Coverdales englischer Bibelübersetzung. Heinrich VIII. hatte ein grandioses künstlerisches Mäzenatentum in Angriff genommen. Seine Bemühungen, seinen neuen Status als oberstes Oberhaupt der Kirche zu verherrlichen, gipfelten im Bau des Nonsuch-Palastes, der 1538 begann. [76]

Bis 1536 wurde Holbein als Maler des Königs mit einem Jahresgehalt von 30 Pfund angestellt – obwohl er nie der bestbezahlte Künstler auf der königlichen Gehaltsliste war. [77] Der königliche "Pictor Maker" Lucas Horenbout verdiente mehr, und andere kontinentale Künstler arbeiteten auch für den König. [78] Im Jahr 1537 malte Holbein sein berühmtestes Bild: Heinrich VIII. steht in heroischer Pose mit auseinander gepflanzten Füßen. [79] Der linke Teil ist von Holbeins Cartoon für ein lebensgroßes Wandgemälde im Whitehall Palace erhalten, das den König in dieser Pose mit seinem Vater hinter ihm zeigt. Das Wandgemälde zeigte auch Jane Seymour und Elizabeth of York, aber es wurde 1698 durch einen Brand zerstört. Es ist aus Stichen und einer Kopie von 1667 von Remigius van Leemput bekannt. [80] Ein früheres Halbfigurenporträt zeigt Henry in ähnlicher Pose, [81] aber alle Ganzfigurenporträts von ihm sind Kopien nach dem Whitehall-Muster. [82] Die Figur von Jane Seymour in dem Wandgemälde ist mit Holbeins Skizze und Malerei von ihr verwandt. [83]

Jane starb im Oktober 1537, kurz nachdem sie Henrys einzigen Sohn Edward VI. zur Welt gebracht hatte, und Holbein malte etwa zwei Jahre später ein Porträt des kleinen Prinzen, der eine zepterartige goldene Rassel umklammerte. [84] Holbeins letztes Porträt von Heinrich stammt aus dem Jahr 1543 und wurde vielleicht von anderen vervollständigt, indem es den König mit einer Gruppe von Friseuren darstellt. [85]

Holbeins Porträtstil änderte sich, nachdem er in Henrys Dienste eingetreten war. Er konzentrierte sich intensiver auf das Gesicht und die Kleidung des Dargestellten, wobei er auf Requisiten und dreidimensionale Einstellungen weitgehend verzichtete. [86] Er wandte diese saubere, handwerkliche Technik auf Miniaturporträts wie das von Jane Small und auf großartige Porträts wie das von Christina von Dänemark an. Er reiste 1538 mit Philip Hoby nach Brüssel und zeichnete Christina für den König, der die junge Witwe als zukünftige Braut begutachtete. [87] John Hutton, der englische Botschafter in Brüssel, berichtete, dass die Zeichnung eines anderen Künstlers von Christina im Vergleich zu Holbeins "sloberid" (slobbered) war. [88]

Nach Wilsons Ansicht ist Holbeins nachfolgendes Ölporträt "das schönste Gemälde einer Frau, das er jemals ausgeführt hat, was zu sagen, dass es eines der schönsten Frauenporträts ist, die je gemalt wurden". [89] Im selben Jahr gingen Holbein und Hoby nach Frankreich, um Louise von Guise und Anna von Lothringen für Heinrich VIII. zu malen. Keines der Porträts dieser Cousins ​​hat überlebt. [90] Holbein fand Zeit, Basel zu besuchen, wo er von den Behörden gefeiert und ihm eine Pension gewährt wurde. [91] Auf dem Rückweg nach England lernte er seinen Sohn Philipp beim Basler Goldschmied Jacob David in Paris. [92]

Holbein malte Anna von Kleve auf Schloss Burgau, posierte sie eckig und in aufwendiger Pracht. Dies war die Frau, die Henry auf Anregung von Thomas Cromwell im Sommer 1539 in Düren heiratete ihre Bilder sehr lebendig". [94] Henry war jedoch von Anne leibhaftig desillusioniert und ließ sich nach einer kurzen, nicht vollzogenen Ehe von ihr scheiden. Es gibt eine Tradition, dass Holbeins Porträt Anne schmeichelte, abgeleitet von der Aussage von Sir Anthony Browne.

Henry sagte, er sei bestürzt über ihr Erscheinen in Rochester, nachdem er ihre Bilder gesehen und Werbung für ihre Schönheit gehört hatte – so sehr, dass sein Gesicht verfiel. [95] Niemand anders als Henry beschrieb Anne jemals als den abstoßenden französischen Botschafter Charles de Marillac, der sie für ziemlich attraktiv, angenehm und würdevoll hielt, obwohl sie wie ihre Diener in wenig schmeichelhafte, schwere deutsche Kleidung gekleidet war. [96] [97] Ein Teil der Schuld an der Desillusionierung des Königs lag bei Thomas Cromwell, der maßgeblich an der Organisation der Ehe beteiligt war und einige übertriebene Behauptungen über Annes Schönheit weitergegeben hatte. [98] Dies war einer der Faktoren, die zu Cromwells Untergang führten. [99]

Letzte Jahre und Tod, 1540–1543 Bearbeiten

Holbein hatte den Sturz seiner ersten beiden großen Gönner, Thomas More und Anne Boleyn, geschickt überlebt, aber Cromwells plötzliche Verhaftung und Hinrichtung wegen erfundener Anklagen der Ketzerei und des Verrats im Jahr 1540 schadete seiner Karriere zweifellos. [100] Obwohl Holbein seine Position als Maler des Königs behielt, hinterließ Cromwells Tod eine Lücke, die kein anderer Gönner füllen konnte. Ironischerweise war es Holbeins Porträt von Anne of Cleves, das weitgehend zu Cromwells Untergang führte: Wütend darüber, mit einer Frau gesattelt zu werden, die er völlig unattraktiv fand, richtete der König seine ganze Wut auf Cromwell. Zugegeben, Cromwell hatte ihre Schönheit übertrieben, [101] aber es gibt keinen Beweis dafür, dass Henry Holbein dafür verantwortlich machte, Annes Aussehen angeblich zu schmeicheln.

Neben den üblichen offiziellen Aufgaben beschäftigte sich Holbein nun mit privaten Aufträgen und wandte sich wieder den Porträts von Steelyard-Händlern zu. Er malte auch einige seiner schönsten Miniaturen, darunter die von Henry Brandon und Charles Brandon, den Söhnen des Freundes von Henry VIII, Charles Brandon, 1. Herzog von Suffolk und seiner vierten Frau Catherine Willoughby. Holbein gelang es, bei den Höflingen, die jetzt um die Macht kämpften, Kommissionen zu gewinnen, insbesondere von Anthony Denny, einem der beiden obersten Herren des Schlafgemachs. Er kam Denny nahe genug, um sich Geld von ihm zu leihen. [103] Er malte 1541 Dennys Porträt und entwarf zwei Jahre später ein Uhrsalz für ihn. Denny war Teil eines Kreises, der 1542 nach dem Scheitern von Henrys Ehe mit Catherine Howard an Einfluss gewann. Die Heirat des Königs im Juli 1543 mit der Reformistin Catherine Parr, deren Bruder Holbein 1541 gemalt hatte, begründete Dennys Partei an der Macht.

Möglicherweise besuchte Holbein seine Frau und seine Kinder Ende 1540, als seine Beurlaubung von Basel ablief. Keine seiner Arbeiten stammt aus dieser Zeit, und die Basler Behörden zahlten ihm sechs Monatsgehälter im Voraus. [104] Der Stand von Holbeins Ehe hat Gelehrte fasziniert, die ihre Spekulationen auf fragmentarische Beweise stützen. Holbein lebte, abgesehen von einem kurzen Besuch, seit 1532 von Elsbeth getrennt. Aus seinem Testament geht hervor, dass er in England zwei Kleinkinder hatte, von denen außer der Obhut einer Krankenschwester nichts bekannt ist. [105]

Holbeins Untreue gegenüber Elsbeth mag nicht neu gewesen sein. Einige Wissenschaftler glauben, dass Magdalena Offenburg, das Vorbild für die Darmstädter Madonna und für zwei in Basel gemalte Porträts war Holbein eine Zeitlang die Geliebte. [106] Andere verwerfen die Idee. [107] Eines der Porträts war Lais von Korinth, Geliebte von Apelles, dem berühmten Künstler der griechischen Antike, nach dem Holbein in humanistischen Kreisen benannt wurde. [108] Wie auch immer, es ist wahrscheinlich, dass Holbein immer seine Frau und seine Kinder unterstützt hat. [109] Als Elsbeth 1549 starb, war sie wohlhabend und besaß noch viele von Holbeins feinen Kleidern, andererseits hatte sie sein Porträt von ihr vor seinem Tod verkauft. [110]

Hans Holbein starb zwischen dem 7. Oktober und 29. November 1543 im Alter von 45 Jahren. [111] Karel van Mander gab Anfang des 17. Jahrhunderts an, an der Pest gestorben zu sein. Wilson betrachtet die Geschichte mit Vorsicht, da Holbeins Freunde sein Bett besuchten und Peter Claussen vermutet, dass er an einer Infektion gestorben ist. [112] Holbein bezeichnete sich selbst als "Diener der Majestät des Königs" und hatte am 7. Oktober in seinem Haus in Aldgate sein Testament gemacht. Als Zeugen unterzeichneten der Goldschmied Johann von Antwerpen und einige deutsche Nachbarn. [113]

Holbein hatte es vielleicht eilig, denn das Testament wurde nicht von einem Anwalt beglaubigt. Am 29. November übernahm Johann von Antwerpen, der Gegenstand mehrerer Porträts von Holbein war, die Erfüllung der letzten Wünsche des Künstlers. Vermutlich begleichte er Holbeins Schulden, sorgte für die Versorgung seiner beiden Kinder und verkaufte und verteilte seine Habseligkeiten, darunter viele erhaltene Entwürfe und Vorzeichnungen. [114] Der Ort von Holbeins Grab ist unbekannt und wurde möglicherweise nie markiert. Die Kirchen St. Katherine Cree oder St. Andrew Undershaft in London sind mögliche Standorte, die sich in der Nähe seines Hauses befinden. [115]

Einflüsse Bearbeiten

Der erste Einfluss auf Holbein war sein Vater, Hans Holbein der Ältere, ein versierter religiöser Künstler und Porträtist [116], der seine Techniken als religiöser Künstler und seine Begabung als Porträtist an seinen Sohn weitergab. [117] Der junge Holbein erlernte sein Handwerk in der Werkstatt seines Vaters in Augsburg, einer Stadt mit florierendem Buchhandel, wo Holzschnitt und Kupferstich florierten. Augsburg fungierte auch als einer der wichtigsten "Eintrittshäfen" nach Deutschland für die Ideen der italienischen Renaissance. [118] Als Holbein seine Lehre bei Hans Herbster in Basel begann, war er bereits von der Spätgotik mit ihrem schonungslosen Realismus und der Betonung der Linienführung geprägt, die ihn zeitlebens prägte. [119] In Basel wurde er von humanistischen Mäzenen bevorzugt, deren Ideen seine Vision als reifer Künstler mitgestalteten. [120]

Während seiner Schweizer Jahre, als er möglicherweise Italien besuchte, fügte Holbein seinem Stilvokabular ein italienisches Element hinzu. Gelehrte bemerken den Einfluss von Leonardo da Vincis "sfumato" (rauchiger) Technik auf seine Arbeit, zum Beispiel in seinem Venus und Amor und Lais von Korinth. [121] Von den Italienern erlernte Holbein die Kunst der Einzelpunktperspektive und die Verwendung antiker Motive und architektonischer Formen. Dabei dürfte er von Andrea Mantegna beeinflusst worden sein. [122] Das dekorative Detail tritt in seinen späten Porträts zurück, die kalkulierte Präzision bleibt jedoch erhalten. Trotz der Assimilation italienischer Techniken und der reformatorischen Theologie erweiterte Holbeins Kunst in vielerlei Hinsicht die gotische Tradition. [123]

Sein Porträtstil beispielsweise unterschied sich von der sinnlicheren Technik Tizians und dem Manierismus von William Scrots, Holbeins Nachfolger als Königsmaler. [124] Holbeins Porträts, insbesondere seine Zeichnungen, hatten mehr Gemeinsamkeiten mit denen von Jean Clouet, die er möglicherweise bei seinem Besuch in Frankreich im Jahr 1524 gesehen hatte. sowie seine Sorge um vorläufige Porträts um ihrer selbst willen. [126] Während seines zweiten Aufenthalts in England erlernte Holbein die Technik des Limning, wie sie von Lucas Horenbout praktiziert wurde. In seinen letzten Lebensjahren erhob er die Kunst der Porträtminiatur zu ihrem ersten Glanz. [127]

Religiöse Werke Bearbeiten

Holbein trat in die Fußstapfen von Augsburger Künstlern wie seinem Vater und Hans Burgkmair, die größtenteils von religiösen Aufträgen lebten. Trotz Rufen nach Reformen war die Kirche im späten 15. Jahrhundert in der Tradition mittelalterlich. Es hielt eine Treue zu Rom und einen Glauben an Frömmigkeiten wie Wallfahrten, Reliquienverehrung und Gebet für tote Seelen aufrecht. Holbeins Frühwerk spiegelt diese Kultur wider. Die wachsende Reformbewegung, angeführt von Humanisten wie Erasmus und Thomas More, begann jedoch, religiöse Einstellungen zu ändern. Basel, wo die Hauptwerke Martin Luthers erschienen, wurde zum Hauptzentrum der Vermittlung reformatorischer Ideen. [128]

Der allmähliche Übergang von der traditionellen zur reformierten Religion lässt sich in Holbeins Werk nachzeichnen. Seine Leiche des toten Christus im Grab von 1522 drückt ein humanistisches Christusbild im Einklang mit dem damaligen reformistischen Klima in Basel aus. [129] Die Tanz des Todes (1523–26) gestaltet die spätmittelalterliche Allegorie des Danse Macabre als reformistische Satire. [130] Holbeins Holzschnittserie zeigt die Figur des "Todes" in vielen Verkleidungen, die Individuen aus allen Gesellschaftsschichten gegenüberstehen. Keiner entkommt den Skelettgriffen des Todes, selbst die Frommen. [131]

In Ergänzung zu Tanz des Todes Holbein abgeschlossen Symbole oder Reihe des Alten Evangeliums (Es enthält zwei Werke: Die Bilder der Geschichten des Alten Evangeliums und Porträts oder Drucktafeln der Geschichte des Alten Evangeliums). Diese Werke wurden von Holbein mit Melchior & Gaspar Trechsel um 1526 arrangiert, später gedruckt und in lateinischer Sprache von Jean & Francois Frellon mit 92 Holzschnitten bearbeitet. Diese beiden Werke teilen sich auch die ersten vier Figuren mit den Tanz des Todes.

Es scheint, dass die Brüder Trechsel ursprünglich beabsichtigten, Holbein für das Illustrieren von Bibeln zu engagieren. [132] Tatsächlich haben einige von Holbeins Symbole Holzschnitte erscheinen in den kürzlich entdeckten Biblia cum Glossis [133] von Michel De Villeneuve (Michael Servetus). Holbein-Holzschnitte erscheinen in mehreren anderen Werken von Servet: seiner spanischen Übersetzung von Die Bilder der Geschichten des Alten Evangeliums, [134] gedruckt von Juan Stelsio in Antwerpen 1540 (92 Holzschnitte), sowie von seiner spanischen Versifikation des zugehörigen Werkes Porträts oder Drucktafeln der Geschichte des Alten Evangeliums, gedruckt von Francois und Jean Frellon im Jahr 1542 (gleiche 92 Holzschnitte plus 2 weitere), wie es in der Internationalen Gesellschaft für Geschichte der Medizin von dem sachkundigen Forscher in Servetus, González Echeverría, nachgewiesen wurde, der auch die Existenz des anderen bewies Werk von Holbein & De Villeneuve, Biblia cum Glossis oder "Verlorene Bibel". [135] [136]

Holbein malte zwischen 1520 und 1526 viele große religiöse Werke, darunter die Oberrieder Altar, das Solothurner Madonna, und der Hingabe. Erst als sich Basels Reformatoren in den späten 1520er Jahren dem Bildersturm zuwandten, litten seine Freiheit und sein Einkommen als religiöser Künstler. [137]

Holbein produzierte weiterhin religiöse Kunst, aber in viel kleinerem Maßstab. Er entwarf in England satirische religiöse Holzschnitte. Sein kleines Gemälde zur privaten Andacht, Noli Me Tangere, [138] wurde als Ausdruck seiner persönlichen Religion verstanden. Holbein zeigt den Moment, in dem der auferstandene Christus Maria Magdalena sagt, dass sie ihn nicht berühren soll, und hält sich an die Details der biblischen Geschichte. [139] Der Tagebuchschreiber John Evelyn aus dem 17. [140]

Holbein wurde als „oberster Vertreter der deutschen Reformationskunst“ bezeichnet. [57] Die Reformation war jedoch eine vielfältige Bewegung, und seine Position war oft mehrdeutig. Trotz seiner Verbindungen zu Erasmus and More schloss er sich der von Martin Luther begonnenen Revolution an, die eine Rückkehr zur Bibel und den Sturz des Papsttums forderte. In seinen Holzschnitten Christus als das Licht der Welt und Der Verkauf von Ablässen, illustrierte Holbein Angriffe Luthers gegen Rom. [141] Gleichzeitig arbeitete er weiterhin für Erasmianer und bekannte Traditionalisten. Nach seiner Rückkehr aus England in das reformierte Basel 1528 nahm er die Arbeit sowohl an der Madonna von Jakob Mayer als auch an den Wandgemälden für den Ratssaal des Rathauses wieder auf. Die Madonna war eine Ikone traditioneller Frömmigkeit, während die Wandmalereien des Alten Testaments eine reformistische Agenda veranschaulichten.

Holbein kehrte 1532 nach England zurück, als Thomas Cromwell im Begriff war, dort religiöse Institutionen umzugestalten. Er arbeitete bald für Cromwells Propagandamaschine und schuf Bilder zur Unterstützung der königlichen Vormachtstellung. [142] Während der Auflösung der Klöster fertigte er eine Reihe kleiner Holzschnitte an, in denen biblische Schurken als Mönche gekleidet waren. [143] Seine reformistische Malerei Das alte und das neue Gesetz identifizierte das Alte Testament mit der "Alten Religion". [144] Gelehrte haben in seinen Porträts subtilere religiöse Bezüge entdeckt. In Die BotschafterSo verweisen Details wie das lutherische Gesangbuch und das Kruzifix hinter dem Vorhang auf den Kontext der französischen Mission. [145] Holbein malte in der späteren Zeit seiner Karriere nur wenige religiöse Bilder.[146] Er konzentrierte sich auf weltliche Entwürfe für dekorative Gegenstände und auf Porträts, die von Unwesentlichkeiten befreit wurden.

Porträts Bearbeiten

Für Holbein begann "alles mit einer Zeichnung". [147] Als begnadeter Zeichner erbte er eine deutsche Tradition des Strichzeichnens und präzisen Vorentwurfs. Holbeins Kreide- und Tuscheporträts demonstrieren seine Beherrschung der Konturen. Er fertigte immer vorbereitende Porträts seiner Dargestellten an, obwohl viele Zeichnungen überliefert sind, von denen keine gemalte Version bekannt ist, was darauf hindeutet, dass einige um ihrer selbst willen gezeichnet wurden. [148] Holbein hat während seiner Basler Jahre relativ wenige Porträts geschaffen. Darunter seine 1516 erschienenen Studien von Jakob und Dorothea Meyer, die wie viele Porträtzeichnungen seines Vaters in Silberstift und Kreide skizziert wurden. [149]

Holbein malte die meisten seiner Porträts während seiner zwei Aufenthalte in England. Im ersten, zwischen 1526 und 1528, verwendete er für seine Vorstudien die Technik von Jean Clouet, bei der er schwarze und farbige Kreiden auf ungrundiertem Papier kombinierte. In der zweiten, von 1532 bis zu seinem Tod, zeichnete er auf kleineren Blättern aus rosa grundiertem Papier und fügte der Kreide Feder und Pinsel in Tusche hinzu. [150] Nach der dreistündigen Sitzung zu urteilen, die Christina von Dänemark ihm gewährte, konnte Holbein solche Porträtstudien schnell anfertigen. [147] Einige Gelehrte glauben, dass er ein mechanisches Gerät benutzte, um die Konturen der Gesichter seiner Untertanen zu verfolgen. [151] Holbein achtete in seinen späteren Zeichnungen weniger auf Gesichtstöne, machte weniger und betontere Striche, aber sie sind nie formelhaft. [152] Sein Gespür für räumliche Zusammenhänge sorgt dafür, dass jedes noch so sparsam gezeichnete Porträt die Präsenz des Dargestellten vermittelt. [153]

Holbeins gemalte Porträts basierten eng auf der Zeichnung. Jede gezeichnete Porträtstudie übertrug Holbein mit Hilfe geometrischer Instrumente auf die Tafel. [154] Anschließend baute er die bemalte Fläche in Tempera und Öl auf und zeichnete bis ins kleinste Detail bis hin zu jeder Naht oder Befestigung des Kostüms auf. Nach Ansicht des Kunsthistorikers Paul Ganz „wurden die tiefe Glasur und der emailartige Glanz der Farbgebung durch die metallisch hochglanzpolierte Kreidegrundierung erreicht, die nur wenige Korrekturen zuließ und wie die Vorskizze durchsichtig blieb die dünne Farbschicht". [154]

Das Ergebnis ist ein brillanter Porträtstil, in dem die Dargestellten, in Foisters Worten, als "erkennbar individuelle und sogar zeitgenössisch anmutende" Menschen erscheinen, gekleidet in minutiös wiedergegebene Kleidung, die eine unübertroffene Quelle für die Geschichte der Tudor-Kostüme darstellt. [155] Die humanistischen Klienten Holbeins schätzten Individualität hoch. [156] Laut Strong machten seine Porträtierten "eine neue Erfahrung, die ein tiefer visueller Ausdruck humanistischer Ideale war". [157]

Kommentatoren unterscheiden sich in ihrer Reaktion auf Holbeins Präzision und Objektivität als Porträtist. Was manche als Ausdruck spiritueller Tiefe in seinen Dargestellten sehen, bezeichnen andere als traurig, distanziert oder sogar leer. "Vielleicht durchdringt eine unterschwellige Kühle ihre Gesichter", schrieb Holbeins Biograf Alfred Woltmann aus dem 19. [158] Einige Kritiker sehen den ikonischen und reduzierten Stil von Holbeins späteren Porträts als Regression. Kenyon Cox zum Beispiel glaubt, dass seine Methoden primitiver wurden und die Malerei "fast auf den Zustand mittelalterlicher Buchmalerei" reduzierten. [159] Erna Auerbach bezieht die "dekorative formale Flächigkeit" von Holbeins Spätkunst auf den Stil illuminierter Dokumente und zitiert das Gruppenporträt Heinrichs VIII. und der Barber Surgeons' Company. [160] Andere Analytiker stellen in Holbeins letzter Phase keinen Machtverlust fest. [161]

Bis in die späten 1530er Jahre stellte Holbein seine Dargestellten oft in eine dreidimensionale Umgebung. Manchmal fügte er klassische und biblische Referenzen und Inschriften hinzu, ebenso wie Vorhänge, Architektur und symbolische Requisiten. Solche Porträts ermöglichten es Holbein, seine Virtuosität und seine Anspielungs- und Metaphernkraft zu demonstrieren sowie auf die private Welt seiner Untertanen hinzuweisen. Sein Porträt von Sir Brian Tuke aus dem Jahr 1532 spielt beispielsweise auf den schlechten Gesundheitszustand des Dargestellten an und vergleicht seine Leiden mit denen von Hiob. Die Darstellung der fünf Wunden Christi und die Inschrift "INRI" auf Tukes Kruzifix sollen laut den Gelehrten Bätschmann und Griener "seinen Besitzer vor Krankheiten schützen". [162] Holbein porträtiert den Kaufmann Georg Gisze inmitten kunstvoller Symbole für Wissenschaft und Reichtum, die an die persönliche Ikonographie des Dargestellten erinnern. Einige von Holbeins anderen Porträts von Steelyard-Kaufleuten, beispielsweise von Derich Born, konzentrieren sich jedoch auf die Natürlichkeit des Gesichts. Sie geben den einfacheren Stil vorweg, den Holbein im späteren Teil seiner Karriere bevorzugte. [163]

Das Studium von Holbeins späteren Porträts wurde durch die Anzahl der ihm zugeschriebenen Kopien und abgeleiteten Werke erschwert. Gelehrte versuchen nun, die wahren Holbeins durch die Raffinesse und Qualität der Arbeit zu unterscheiden. [164] Das Markenzeichen von Holbeins Kunst ist ein suchender und perfektionistischer Ansatz, der sich in seinen Änderungen an seinen Porträts bemerkbar macht. In den Worten des Kunsthistorikers John Rowlands:

Dieses Streben nach Perfektion wird in seinen Porträtzeichnungen deutlich, in denen er mit dem Pinsel genau die richtige Linie für das Profil des Dargestellten sucht. Die kritische Fähigkeit, diese Wahl zu treffen, und seine Wahrnehmung ihrer Fähigkeit, den Charakter des Dargestellten entscheidend zu vermitteln, ist ein wahres Maß für Holbeins überragende Größe als Porträtmaler. Niemand hat jemals das freizügige Profil und die Haltung seiner Porträts übertroffen: Holbein vermittelt durch ihre aussagekräftige Verwendung über die Jahrhunderte hinweg den Charakter und das Ebenbild seiner Dargestellten mit einer konkurrenzlosen Meisterschaft. [165]

Miniaturen Bearbeiten

Während seines letzten Jahrzehnts malte Holbein eine Reihe von Miniaturen, kleine Porträts, die als eine Art Juwel getragen wurden. Seine Miniaturtechnik entstammt der mittelalterlichen Kunst der Buchmalerei. Sein kleines Tafelbildnis Heinrichs VIII. zeigt eine gegenseitige Durchdringung seiner Tafel- und Miniaturmalerei. [166] Holbeins große Bilder hatten schon immer eine miniaturhafte Präzision in sich. Diese Fertigkeit passte er nun der kleineren Form an und behielt irgendwie eine monumentale Wirkung bei. [167] Die ungefähr zwölf erhaltenen Miniaturen von Holbein zeigen seine Beherrschung des "Limnings", wie die Technik genannt wurde. [168]

Sein Miniaturporträt von Jane Small gilt mit seinem satten blauen Hintergrund, den klaren Konturen und dem Fehlen von Schattierungen als Meisterwerk des Genres. Holbein, so der Kunsthistoriker Graham Reynolds, "porträtiert eine junge Frau, deren Schlichtheit durch ihre schlichte Tracht aus schwarz-weißen Stoffen kaum aufgehoben wird, und dennoch kann es keinen Zweifel daran geben, dass dies eines der großen Porträts der Welt ist bemerkenswerte Objektivität Holbein hat nichts von sich selbst hinzugefügt oder von dem Bild seiner Dargestellten abgezogen, er hat sie gesehen, wie sie in feierlicher Stimmung im kalten Licht seines Malzimmers erschien. [169]

Designs Bearbeiten

Während seines ganzen Lebens entwarf Holbein sowohl großformatige dekorative Werke wie Wandmalereien als auch kleinere Objekte, einschließlich Teller und Schmuck. In vielen Fällen sind seine Entwürfe oder Kopien davon der einzige Beweis für solche Werke. So sind seine Wandbilder für das Haus Hertenstein in Luzern und für das Haus des Tanzes in Basel nur durch seine Entwürfe bekannt. Im Laufe seiner Karriere fügte er seinem gotischen Vokabular Motive der italienischen Renaissance hinzu.

Viele der komplizierten Designs, die in Anzüge von Greenwich-Rüstungen eingraviert waren, einschließlich der persönlichen Turniergeschirre von König Henry, basierten auf Entwürfen von Holbein. Sein Stil beeinflusste die einzigartige Form der englischen Rüstung noch fast ein halbes Jahrhundert nach seinem Tod.

Holbeins Cartoon für einen Teil des dynastischen Tudor-Wandgemäldes in Whitehall zeigt, wie er ein großes Wandgemälde vorbereitete. Es bestand aus 25 Stück Papier, jede Figur ausgeschnitten und auf den Hintergrund geklebt. [170] Viele von Holbeins Entwürfen für Glasmalerei, Metallarbeiten, Schmuck und Waffen sind ebenfalls erhalten. Alle zeugen von der Präzision und Fließfähigkeit seiner Zeichenkunst. Die Kunsthistorikerin Susan Foister meint: „Diese Eigenschaften beleben seine dekorativen Entwürfe, seien es einzelne Motive, wie seine bevorzugten schlangenförmigen Wassermänner und -frauen, oder die größeren Formen von Tassen, Rahmen und Brunnen, so sehr, dass sie schon vorher auf dem Papier funkeln ihre Verwandlung in Edelmetall und Stein". [153]

Holbeins Art, Objekte zu entwerfen, bestand darin, vorläufige Ideen zu skizzieren und dann mit zunehmender Präzision sukzessive Versionen zu zeichnen. Sein endgültiger Entwurf war eine Präsentationsversion. Er verwendete oft traditionelle Muster für dekorative Details wie Laub und Äste. Bei der Gestaltung kostbarer Objekte arbeitete Holbein eng mit Handwerkern wie Goldschmieden zusammen. Seine Designarbeit, so der Kunsthistoriker John North, "gab ihm ein beispielloses Gefühl für die Texturen von Materialien aller Art und gab ihm auch die Angewohnheit, in seinen Porträts physische Accessoires mit Gesicht und Persönlichkeit in Verbindung zu bringen". [171] Obwohl über Holbeins Werkstatt wenig bekannt ist, gehen Wissenschaftler davon aus, dass seine Zeichnungen teilweise als Quellen für seine Assistenten gedacht waren.

Holbeins Ruhm verdankt etwas dem seiner Dargestellten. Mehrere seiner Porträts sind zu kulturellen Ikonen geworden. [172] Er schuf das Standardbild von Heinrich VIII. [173] Indem er Henry als ikonischen Helden malte, vermittelte er jedoch auch subtil die Tyrannei seines Charakters. [174] Holbeins Porträts anderer historischer Persönlichkeiten wie Erasmus, Thomas More und Thomas Cromwell haben ihre Bilder für die Nachwelt fixiert. Dasselbe gilt für die Schar der englischen Lords und Ladies, deren Aussehen oft nur durch seine Kunst bekannt ist. Aus diesem Grund nennt John North Holbein "den Kameramann der Tudor-Geschichte". [175] In Deutschland hingegen gilt Holbein als Künstler der Reformation, in Europa des Humanismus. [176]

In Basel wurde Holbeins Erbe von seinem Freund Amerbach und von Amerbachs Sohn Basilius gesichert, der seine Werke sammelte. Das Amerbach-Kabinett bildete später den Kern der Holbein-Sammlung im Kunstmuseum Basel. [177] Obwohl Holbeins Kunst auch in England geschätzt wurde, erwähnen ihn nur wenige englische Dokumente aus dem 16. Jahrhundert. Erzbischof Matthew Parker (1504-75) bemerkte, dass seine Porträts „getrennt und der Ähnlichkeit des Lebens zum Ausdruck gebracht“ wurden. [178] Ende des 16. Jahrhunderts sprach der Miniaturporträtist Nicholas Hilliard in seiner Abhandlung Arte von Limning seiner Schuld an Holbein: "Holbeins Art habe ich je nachgeahmt, und halte sie für das Beste". [179] Über Holbeins Leben wurde erst in Karel van Manders oft ungenauem "Schilder-Boeck" (Malerbuch) von 1604 berichtet. [180]

Holbeins Anhänger produzierten Kopien und Versionen seiner Arbeit, aber er scheint keine Schule gegründet zu haben. [181] Der Biograf Derek Wilson nennt ihn eines der großen "Unikate" der Kunstgeschichte. [9] Der einzige Künstler, der seine Techniken anscheinend übernommen hat, war John Bettes der Ältere, dessen Mann mit schwarzer Mütze (1545) steht Holbein stilistisch nahe. [182] Gelehrte streiten sich über Holbeins Einfluss auf die englische Kunst. Laut Foister: „Holbein hatte in England keine wirklichen Nachfolger und wenige Nachahmer. Die Diskrepanz zwischen seinen subtilen, fragenden Porträts von Männern und Frauen, deren Blicke uns folgen, und den stilisierten Porträts von Elisabeth I. und ihren Höflingen kann extrem erscheinen, umso mehr da es schwierig ist, eine richtige stilistische Abfolge von Holbeins Werk zur Überbrückung der Jahrhundertmitte nachzuverfolgen". [153]

Dennoch kann man sagen, dass die "moderne" Malerei in England mit Holbein begonnen hat. [183] ​​Dass spätere Künstler sich seiner Arbeit bewusst waren, zeigt sich in ihren eigenen, manchmal expliziten. Hans Eworth zum Beispiel malte in den 1560er Jahren zwei abendfüllende Kopien von Holbeins Henry VIII Mary Neville, Lady Dacre. [184] Der Einfluss von Holbeins "Monumentalität und Aufmerksamkeit für die Textur" wurde in Eworths' Werk festgestellt. [185] Laut der Kunsthistorikerin Erna Auerbach: „Holbeins Einfluss auf den Stil der englischen Porträtmalerei war zweifellos immens. Dank seines Genies entstand ein Porträttypus, der sowohl den Ansprüchen des Dargestellten diente als auch die Porträtmalerei in England auf ein europäisches Niveau gehoben hat . Es wurde zum Prototyp des englischen Hofporträts der Renaissance. [186]

Die Mode für Alte Meister in England nach den 1620er Jahren führte zu einer Nachfrage nach Holbein, angeführt von dem Kenner Thomas Howard, Earl of Arundel. Die flämischen Künstler Anthony van Dyck und Peter Paul Rubens entdeckten Holbein durch Arundel. [187] Arundel gab beim Tschechen Wenzel Hollar Stiche seiner Holbeins in Auftrag, von denen einige heute verloren gegangen sind. Ab dieser Zeit wurde Holbeins Kunst auch in den Niederlanden geschätzt, wo der Bilderhändler Michel Le Blon zum Holbein-Kenner wurde. [188] Der erste Werkverzeichnis von Holbeins Werk wurde 1656 von dem Franzosen Charles Patin und dem Schweizer Sebastian Faesch erstellt. Sie veröffentlichten es mit Erasmus's Encomium moriæ (Das Lob der Torheit) und eine ungenaue Biografie, die Holbein als ausschweifend darstellte.

Im 18. Jahrhundert fand Holbein in Europa Anklang bei denen, die seine präzise Kunst als Gegenmittel zum Barock sahen. In England lobte ihn der Kenner und Antiquar Horace Walpole (1717–97) als Meister der Gotik. [189] Walpole hängte sein neugotisches Haus in Strawberry Hill mit Kopien von Holbeins auf und unterhielt ein Holbein-Zimmer. Ab etwa 1780 setzte eine Neubewertung Holbeins ein und er wurde unter den kanonischen Meistern verankert. [190] Ein neuer Kult um das Meisterwerk der sakralen Kunst entstand, unterstützt von den deutschen Romantikern. Diese Ansicht erlitt einen Rückschlag während der berühmten Kontroverse, die als "Holbein-Streit“ (Holbein-Streit) in den 1870er Jahren. Es stellte sich heraus, dass der verehrte Meyer Madonna in Dresden eine Kopie war, und dass die wenig bekannte Version in Darmstadt das Holbein-Original war. [191] Seitdem haben Gelehrte die Zuschreibung an Holbein aus vielen Kopien und abgeleiteten Werken schrittweise entfernt. Die aktuelle wissenschaftliche Sicht auf Holbeins Kunst unterstreicht seine Vielseitigkeit nicht nur als Maler, sondern auch als Zeichner, Grafiker und Designer. [192] Die Kunsthistorikerin Erika Michael glaubt, dass "die Breite seines künstlerischen Erbes ein wesentlicher Faktor für die nachhaltige Rezeption seines Oeuvres war". [193]

Die Demütigung des Kaisers Valerian durch den persischen König Shapur, C. 1521. Feder und schwarze Tinte auf Kreideskizze, grau laviert und Aquarell, Kunstmuseum Basel

Porträt von Bonifacius Amerbach, 1519. Öl und Tempera auf Kiefer, Kunstmuseum Basel.

Der Leichnam des toten Christus im Grab, und ein Detail, 1521–22. Öl und Tempera auf Lindenholz, Kunstmuseum Basel.

Noli ich tangere, möglicherweise 1524–26. Öl und Tempera auf Eiche, Royal Collection.

Porträt von Jane Seymour, C. 1537. Öl und Tempera auf Eiche, Kunsthistorisches Museum, Wien.

Heinrich VIII. und Heinrich VII, Teil eines Cartoons für Wandmalerei in Whitehall, 1537. Feder in Schwarz, mit grauer, brauner, schwarzer und roter Waschung auf Papier auf Leinwand, National Portrait Gallery, London.

Porträt von Christina von Dänemark, C. 1538. Öl und Tempera auf Eiche, National Gallery, London.

Porträt der Anna von Kleve, C. 1539. Öl und Tempera auf Pergament auf Leinwand, Louvre, Paris.

Heinrich VIII. bei 49 (1540), Gallerie Nazionali d'arte antica, Palazzo Barberini, Rom

Margaret Roper c. 1535–36, Körperfarbe auf Pergament auf Karton montiert, 4,5 cm Durchmesser (1.8 in), Metropolitan Museum of Art, New York

Apollo und die Musen auf Parnassus 1533, Feder und schwarze Tinte, graubraun laviert und blaugrünes Aquarell auf Papier, 42,3x38,4 cm. Staatliche Museen zu Berlin (Kupferstichkabinett).


Der Teppich und der Globus: Holbein’s Die Botschafter umrahmt

Eines der berühmtesten Porträts der Renaissance ist ohne Frage Hans Holbein der Jüngere Die Botschafter von 1533. Noch heute ist es ein beliebtes Porträt, um in Kunst, Fernsehen, Film und sozialen Medien zu parodieren, nachzuahmen oder zu zitieren, und es bleibt eine wichtige Quelle für zeitgenössische Künstler.

Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Dieses Doppelporträt zeigt zwei Männer, die neben einem mit Gegenständen bedeckten hohen Tisch stehen. Auf der linken Seite ist Jean de Dinteville, 29 Jahre alt, ein französischer Botschafter, der vom französischen König Franz I. an den englischen Hof von Heinrich VIII. geschickt wurde. Rechts ist Georges de Selve, 25 Jahre alt, der Bischof von Lavaur, Frankreich. Sie stehen auf einem kunstvollen abstrakten Bürgersteig, der als zum Heiligtum in der Westminster Abbey gehörend identifiziert wurde – der gleiche Ort, an dem Anne Boylen, die zweite Frau von Heinrich VIII., gekrönt wurde und vor kurzem der Herzog und die Herzogin von Cambridge heirateten.

Cosmati Pflaster, Westminster Abbey (links), Hochzeit des Herzogs und der Herzogin von Cambridge in der Westminster Abbey (rechts)

Das Gemälde ist mit sorgfältig gerenderten Details gefüllt, in einem klaren Stil, den wir mit dem Naturalismus der Renaissance des sechzehnten Jahrhunderts identifizieren. Der anamorphotische Schädel im Vordergrund begeistert und überrascht den Betrachter weiterhin und inspiriert Künstler.

Anamorphotischer Schädel (Ausschnitt), Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Anamorphotischer Schädel schräg gesehen, Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Dieser Aufsatz konzentriert sich auf zwei Details – den Teppich und den Globus –, die über den globalisierten Handel des 16. Jahrhunderts und insbesondere über die imperialen Ambitionen und die Kolonialisierung Europas sprechen.

Der anatolische Teppich

Über der obersten Ebene des Tisches zwischen den beiden Männern ist ein Teppich drapiert, der wegen der Vorliebe des Künstlers für die Bemalung dieser Art von Textilien normalerweise als „Holbein-Teppich“ bezeichnet wird. Dieser Name wurde jedoch im sechzehnten Jahrhundert nicht verwendet. Stattdessen hätte der Teppich den Betrachter an den Ort seiner Herstellung – in diesem Fall die Türkei – erinnert, der im 16. Jahrhundert von den Osmanen kontrolliert wurde. Anatolische Teppiche waren ab dem 15. Jahrhundert in Europa beliebte Luxusobjekte. Textilien aus der Türkei und anderen Teilen des östlichen Mittelmeerraums waren wegen ihrer außergewöhnlichen Handwerkskunst und Schönheit sehr begehrt.

Teppich (Ausschnitt), Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Oft zeigen sogenannte „Holbein-Teppiche“ achteckige Medaillons, andere stilisierte Muster und grenzen manchmal mit Kufic, einer Art arabischer kalligraphischer Schrift (die in Die Botschafter nicht). Diese Art von Teppich wurde in Europa so populär, dass andere Textilhersteller versuchten, sie zu kopieren, oft mit pseudo-kufischen Designs, die die Schrift nachahmen sollten.

Teppiche wie der in Holbeins Gemälde waren teuer. Sie spielten in europäischen Elitehäusern eine herausragende Rolle und kosteten oft so viel wie Gemälde und Skulpturen. Anders als heute würde ein so teurer Teppich nicht auf den Boden gelegt. Es würde über einen Tisch drapiert, wie in gezeigt Die Botschafter, um als schönes Objekt zum Beobachten und Erfreuen ausgestellt zu werden. Ähnliche Teppiche finden wir in anderen Renaissance-Gemälden, oft über Brüstungen oder Tischen drapiert. Gelegentlich werden solche Teppiche auf dem Boden unter der Jungfrau Maria gezeigt, um ihren erhöhten Status als heilige Figur zu vermitteln.

“Holbein-Teppich,” 15.-16. Jahrhundert, Wolle, aus der Türkei (The Metropolitan Museum of Art)

Warum also ist ein Teppich in Holbeins Gemälde? Der Teppich ist ein Luxusobjekt, das den Status der beiden Männer heben soll. Es erinnert uns auch an die Macht und das Prestige des Osmanischen Reiches zu dieser Zeit. Die Osmanen galten als Bedrohung für die europäischen Mächte, obwohl die Europäer osmanischen Luxus wie Teppiche wünschten.

Es gibt wahrscheinlich noch einen anderen Grund für das Aussehen des Teppichs im Gemälde. Franz I., der französische König, hatte sich kürzlich mit König Heinrich VIII. von England verbündet, um die Macht von Karl V., dem Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, der einen Großteil des europäischen Festlandes kontrollierte, zu reduzieren. Karl V. war ein mächtiger Herrscher, und Franz I. und Heinrich VIII. waren besorgt, er könnte versuchen, ihnen die Kontrolle zu entreißen. Franz I. versuchte auch, Beziehungen zum Kirchenstaat und zu den Osmanen zu pflegen, und wandte sich an Süleyman den Prächtigen, den osmanischen Herrscher. Der Teppich in Holbeins Gemälde könnte auf die Versuche des französischen Herrschers verweisen, die politischen Beziehungen zu den Osmanen zu stärken. Zweifellos begehrte Franz I. eine solche Beziehung, da sie seine Handelsbeziehungen stärkte, seine Fähigkeit zum Erwerb osmanischer Waren stärkte und ihm einen besseren Zugang zu Gütern aus China und Indien ermöglichte, die ebenfalls sehr begehrt waren.

Der Teppich hat mehrere Bedeutungen: Politisch spricht er von den Versuchen von Franziskus, eine politische Verbindung mit dem osmanischen Herrscher herzustellen, und kulturell als teures, importiertes Textil von der anatolischen Halbinsel. Der Teppich erinnert daran, dass die Osmanen ein wichtiger Teil der europäischen Renaissancekultur waren.

Globus (Detail), anamorphotischer Schädel schräg gesehen, Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Der Globus

Auf dem Regal unter dem Teppich gibt es eine Reihe faszinierender Objekte, darunter eine Laute mit einer gerissenen Saite, ein Gesangbuch und ein Globus. Der Saitenbruch der Laute soll auf die Zwietracht der protestantischen Reformation verweisen, an die auch das Gesangbuch erinnert. Martin Luther, der die Reformation initiierte, komponierte die gezeigten Hymnen.

Luthers Gesangbuch (Ausschnitt), Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Der Globus verweist jedoch nicht auf den Umbruch, der aus der Reformation resultierte, sondern erinnert an andere Arten von Transformationen, die damals stattfanden. Die Karte auf dem Globus wird gegenüber der üblichen Ausrichtung eines Globus verkehrt herum angezeigt. Trotzdem gibt es in vielen Teilen Europas leserlich geschriebene Inschriften. Holbein positionierte Europa am nächsten an der Bildebene und malte es in goldener Farbe, um unseren Blick darauf zu lenken. Wir sehen Afrika darüber und darüber hinaus Teile Amerikas.

Interessanterweise ist eine der lesbaren Inschriften auf dem Globus „Brisillici R“. für Brasilien. Die visuelle Klarheit und der Bezug zu Brasilien ist wichtig. Die französische Krone erhob Anspruch auf Brasilien, nachdem sie 1522 eine Expedition nach Amerika gesponsert hatte. An der Spitze der Expedition stand Giovanni da Verrazano, der 1524 zurückkehrte und Frankreich half, einen Anspruch auf Ländereien jenseits des Atlantiks geltend zu machen. Verrazano kehrte 1527 nach Brasilien zurück, um Brasilholz zu sammeln, eine wertvolle Ressource. Die französische Krone versuchte, Handelsposten in Brasilien zu errichten, um die Kontrolle über dieses reiche fremde Land zu erlangen, eine Aktion, bei der Frankreich gegen seinen kolonialen Rivalen Portugal antrat.

Globus (Ausschnitt), Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Auch in Holbeins Porträt ziehen sich mehrere rote Linien durch Teile der Erdkugel. Eine, die durch Brasilien verläuft und den Atlantik teilt, war die Linie, die 1494 mit dem Vertrag von Tordesillas vereinbart wurde. Dieser Vertrag führte dazu, dass ein Großteil Amerikas an Spanien und Brasilien an die Portugiesen vergeben wurde. Eine andere Linie, die sich aus dem Vertrag von Saragossa im Jahr 1529 (wieder zwischen Spanien und Portugal) ergab, teilte die Karte in die andere Richtung und gab den Portugiesen die Molukken oder Gewürzinseln. Die Einbeziehung dieser Zeilen zeigt die Bedeutung des Wettbewerbs zwischen Kolonialmächten um Land, Ressourcen und Menschen und die weitreichenden Auswirkungen, die europäische Seereisen und Kolonialexpeditionen rund um den Globus haben würden.

Faksimile aus dem 19. Jahrhundert eines Globus aus dem 16. Jahrhundert des Typs, der in Holbein’s . abgebildet ist Die Botschafter, 12 Papierstreifen auf Massivholzkugel montiert, 54 cm (Beinecke Library, Yale)

Was Holbeins Globus noch faszinierender macht, ist, dass er einen echten Globus aus dem 16. Jahrhundert nachbildet. Holbein kopierte um 1526 einen Globus wie die Replik in der Beinecke Rare Book & Manuscript Library der Yale University. Das Original war ein gedruckter Globus, der durch die Revolution in der Drucktechnologie ermöglicht wurde, die Europa seit Mitte des 15. Jahrhunderts verändert hatte . Der Globus wurde wahrscheinlich in Nürnberg gedruckt und war in den 1520er und 30er Jahren beliebt. Auf dem gedruckten Globus gibt es deutliche Hinweise auf Ferdinand Magellans 1522 abgeschlossene Weltumrundung. Der Globus spielt dann auf die Dominanz der Habsburger an, da Karl V., ein Habsburger, Magellan gesponsert hatte. Trotz Holbeins Anleihen beim gedruckten Globus lässt er die Magellan-Route weg. Es wurde vermutet, dass dies ein Versuch von Holbein war, der sich bewusst war, dass sein Gönner ein Untertan von Franz I. war, um die Macht der Habsburger herunterzuspielen.

Peter Apian, Eine neue und fundierte Anleitung in der Arithmetik aller Kaufleute (Ausschnitt), Hans Holbein der Jüngere, Die Botschafter, 1533, Öl auf Eiche, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, London, Foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Wie der Globus und der türkische Teppich spielt auch das Buch, das direkt vor dem Globus auf dem Tisch liegt, auf die Bedeutung des Handels an. Holbeins präzise Art, das Buch zu malen, ermöglicht es uns, es als einen arithmetischen Text zu identifizieren, insbesondere den des deutschen Astronomen Peter Apian Eine neue und fundierte Anleitung in der Arithmetik aller Kaufleute (Eyn Newe und wolgegruündte underweysun aller Kauffmannss Rechnung). Das Buch diskutiert Gewinne und Verluste – ein wichtiger Aspekt des Merkantilismus und des Handels in dieser Zeit. Die Navigationsinstrumente auf dem oberen Regal weisen auch auf kommerzielle Aktivitäten hin, die Reisen und Austausch förderten, aber auch imperialistische Expansion und Kolonialisierung. Jedes ist ein wichtiges Thema in diesem komplexen Gemälde.

Zusätzliche Ressourcen

David Träger, Eine Weltkunstgeschichte und ihre Objekte (Universitätspark: Penn State University Press, 2008).

Suraiya Faroqhi, Eine Kulturgeschichte der Osmanen: Die kaiserliche Elite und ihre Artefakte (I. B. Tauris, 2016).

Rosamund E. Mack, Basar zur Piazza: Islamischer Handel und italienische Kunst, 1300–1600 (Berkeley, CA: University of California Press, 2002).

Lisa Jardine und Jerry Brotton, Globale Interessen: Renaissance-Kunst zwischen Ost und West (London: Reaktion, 2000).

Jerry Brotton, Der Renaissance-Basar: Von der Seidenstraße nach Michelangelo (Oxford: Oxford University Press, 2002)


Hans Holbein - Künstlerbiographie mit Portfolio von Gemälden, Drucken und Zeichnungen

Holbeins bekannteste Gemälde sind ein Who-is-Who der damaligen englischen Gesellschaft, darunter Henry VIII, Sir Thomas More, Sir Thomas Wyatt, Jane Seymour und Anne of Cleves in seinem Werk. Hansholbein.net stellte Ihnen 25 seiner besten Werke vor und bespricht auch seine einflussreiche Karriere im Detail, indem er seine Werke einzeln angeht.

Hans Holbein war zweifellos ein guter Künstler, aber seine Karriere dient auch als hervorragender visueller Leitfaden für diejenigen, die diese Epoche der englischen Geschichte verstehen und den Namen, die sie kennengelernt haben, ein paar Gesichter geben möchten.

Heinrich VIII. selbst ist der größte Name dieser Zeit und seine eigenen Porträts haben sich in den letzten Jahren als äußerst beliebt erwiesen . Hier finden Sie Holbein Henry VIII Porträtgemälde mit all den verschiedenen enthaltenen.

Ambassadors ist das einprägsamste Kunstwerk von Holbein, abgesehen von seiner Serie über Heinrich VIII. Sie können es oben sehen. Ambassadors ist über die Links erhältlich, die als Kunstdruckreproduktion vom empfohlenen Kunsthändler Art.com bereitgestellt werden, der auch gespannte Leinwände und Poster von Originalgemälden von Hans Holbein dem Jüngeren anbietet.

Es gibt eine große Auswahl in der Galerie, die auch oben verlinkt ist, und auf dieser Website, die Ihnen Informationen darüber geben soll, wo Sie Holbein-Reproduktionen am besten kaufen können. Die Holbein-Maler sind insofern interessant und ungewöhnlich, als sie trotz ihrer offensichtlichen deutschen Nationalität heute in Großbritannien viel bekannter sind, weil sie Porträts der Monarchie anfertigten, die damals England repräsentierte und es kein Großbritannien als solches gab.

Dies ist nicht der einzige Fall eines Künstlers, der sich im Ausland einen Namen gemacht hat, wie zum Beispiel der Engländer Alfred Sisley, nachdem er sich durch die französische impressionistische Malerei einen Namen gemacht hatte, was dazu führte, dass er sich auf der anderen Seite des Ärmelkanals in Frankreich viel wohler fühlte als in seinem eigenen Geburtsort. Viele haben argumentiert, dass Holbeins Stil von Dieric Bouts, Jan van Eyck, Hans Memling und Quentin Metsys beeinflusst wurde, alle aus Nordeuropa in den deutschen und niederländischen Regionen.

Sir Thomas More

Sir Thomas More war während der Karriere von Holbein dem Jüngeren eine integrale Figur hinter den Kulissen der herrschenden Monarchie und so war es fast unvermeidlich, dass er irgendwann ein Thema in einem Holbein-Gemälde wurde. Das obige Gemälde ist das beste Porträt, das Holbein von Sir Thomas More angefertigt hat, aber es gab viele andere, die ebenfalls studierenswert sind. Für Historiker ist es immer interessant zu sehen, wie Schlüsselpersonen von einem Künstler festgehalten wurden, und diese Gemälde können oft große weitere Hinweise auf die Persönlichkeit und das Ansehen jedes einzelnen geben.

König Heinrich VIII

König Heinrich VIII. war einer der wichtigsten Führer der englischen Monarchie und rühmte sich auch einer der stärksten Persönlichkeiten aller Könige mit einer kühnen Haltung, die in vielen seiner Porträts zu sehen ist, die von Holbein geschaffen wurden, einem Künstler, den der König war bekannt, und dies wurde durch die große Anzahl von Aufträgen bestätigt, die Holbein über einen längeren Zeitraum mit dem Malen des Königs beauftragt hatte.

Holbein verbrachte Zeit sowohl mit Werken in voller Länge als auch mit einfacheren Kopfporträts von Henry und sie alle entstanden später in der Regierungszeit dieses denkwürdigen Königs, zu der Zeit sein hübsches junges Aussehen schon lange vorbei war, teils aufgrund des natürlichen Alters und teils aufgrund von zu einem Unfall, den er zu Beginn seiner Regierungszeit zu einer Zeit erlebte, als Holbein sich noch einen Namen als Künstler machte und sich noch keinen Namen machen musste. König Heinrich VIII. war ein äußerst mächtiger Charakter, der keine Dienste jeglicher Art angenommen hätte, mit denen er nicht zufrieden war, und so wäre es für jeden Künstler, der ausgewählt wurde, ein Porträt von ihm zu erstellen, ein schwer zu befriedigender Kunde.

Es ist beeindruckend, dass Holbein irgendwie Werke schaffen konnte, die ihm gefallen und unverändert geblieben sind, als die meisten anderen Künstler wohl auf Probleme gestoßen wären. Es ist wahrscheinlich, dass das Selbstbewusstsein dieses Malers dazu beigetragen hat, seine Arbeit zu schätzen und auch zukünftige Aufträge zu sichern. Vielleicht schätzte der König die Offenheit und Direktheit dieses deutschen Malers und sah eine Ähnlichkeit mit seinem eigenen frechen Charakter, der das Land erfolgreich durch eine turbulente Zeit führte.

Jane Seymour

Jane Seymour war eine berühmte Ehefrau von König Heinrich VIII. und erhielt auch ein Auftragsporträt von Hans Holbein. Ihr Porträt ist oben zu sehen und bietet einen interessanten Einblick in einen wichtigen Teil von Henrys Leben, als er versuchte, seine Herrschaft zu schützen, indem er versuchte, eine Reihe von Söhnen hervorzubringen, die seine Nachfolge antreten könnten. Diese Besessenheit verursachte große Reibungen in seinem Leben und war der Grund dafür, dass er ständig wieder heiratete. Dieser Teil des Lebens des Königs wurde bis ins kleinste Detail untersucht und als solche sind Porträts seiner Frauen wie Jane Seymour äußerst hilfreich, um mehr über sie zu erfahren.

Anna von Kleve

Anna von Kleve war eine weitere Ehefrau von König Heinrich VIII., und ihr bekanntestes Porträt von Holbein ist oben enthalten. Insgesamt waren es sechs Ehefrauen, und jede hat zu dieser Zeit ihre Rolle in den komplizierten Geschäften der englischen Monarchie gespielt. Holbein gelang es, jede der von ihm gemalten Frauen in einem persönlichen Stil einzufangen, der Historikern hilft, jede von ihm dokumentierte Frau zu vergleichen. Es bleibt immer noch ein Zweifel, wer Holbein organisierte, um jedes Porträt der Ehefrauen zu erstellen, aber sein Erfolg bei der Darstellung des Königs hätte ihn an die Spitze der Liste der geeigneten Kandidaten gebracht, um alle anderen wichtigen politischen Persönlichkeiten dieser Zeit abzudecken.

Heinrich VII. Porträt

Die Porträts von Heinrich VII. werden direkt darüber mit einem anderen fortgesetzt. Insgesamt entstand eine ganze Serie von Holbein, die alle im Abstand von mehreren Jahren entstanden und als visuelles Tagebuch für den Fortschritt dieses nationalen Aushängeschilds dienten, der viele Veränderungen im Land bewirkte, die auch heute, viele Jahrhunderte später, noch sehr spürbar sind. Für diejenigen, die mehr über die Gemäldeliste des Künstlers erfahren oder sogar ihre eigenen Kopien als Kunstdruck, Poster oder Leinwand kaufen möchten, sehen Sie sich die Liste am Ende der Seite an, die alle seine bemerkenswerten Beiträge zur europäischen Kunst enthält Szene dieser Zeit.

John Fisher Bischof von Rochester

John Fisher Bischof von Rochester war ein weiterer einflussreicher Adliger während dieser Zeit und sein Porträt ist oben zu finden. Solche Leute würden das Gefühl haben, dass die Verwendung des gleichen Malers, den der König benutzte, ihren Status sofort wichtiger erscheinen ließ und ihre eigenen Porträts immer in ihrer eigenen Wohnung aufgehängt würden, oft irgendwo auf dem Land.

Familien dieser Ära nutzten diese Porträts, um die lange Erfolgsgeschichte ihrer eigenen Familien zu dokumentieren, die über mehrere Generationen hinweg auf vielfältige Weise viel Vermögen aufgebaut hatten.

Liste der Gemälde von Hans Holbein dem Jüngeren

Über die oben aufgeführten hinaus sind weitere Holbein-Bilder unten aufgeführt sowie diese umfassende Liste berühmter Ölgemälde aus dem Schaffen Hans Holbeins des Jüngeren.


Hans Holbein, der Jüngere, "Sir Thomas More"

Hans Holbein kam 1526 aus der Schweiz nach London, nur ein Jahr bevor er dieses Porträt datierte. Mit einem Empfehlungsschreiben des Philosophen Erasmus trat Holbein in den verfeinerten Kreis von Sir Thomas More (1477/78-1535) ein und lebte bald in seiner Nähe in Chelsea. More sprach in einem Brief an Erasmus von Holbein als „einem wunderbaren Künstler“. Berühmt als humanistischer Gelehrter und Autor der Utopie, More war auch ein mächtiger Staatsmann. Zu diesem Zeitpunkt hatte er Heinrich VIII. bereits über ein Jahrzehnt als Geheimer Rat gedient und wurde 1529 sein Lordkanzler. More weigerte sich jedoch später, den Act of Supremacy zu unterzeichnen, was den König zum Oberhaupt der Church of England machte er wurde des Hochverrats überführt und am 6. Juli 1535 enthauptet. Eine Zeichnung Holbeins auf Schloss Windsor diente diesem Gemälde als Vorlage, der Künstler nahm jedoch zahlreiche Änderungen daran vor. Als Beschwörung des Geistes und Charakters eines Mannes hat dieses Porträt nur wenige seinesgleichen. Die goldene S-S-Kette war ein Emblem des Dienstes am König. Die Buchstaben stehen für das Motto Souvent me souvien, oder Denk oft an mich.


4. Holbein malte seine berühmtesten Meisterwerke am königlichen Hof

Die Botschafter von Hans Holbein dem Jüngeren, 1533, über The National Gallery

Zusammen mit seinem ikonischen Porträt von Heinrich VIII. Die Botschafter gehört zu Holbeins berühmtesten Werken. Das Gemälde zeigt zwei Franzosen, die 1533 am englischen Hof residierten und steckt voller verborgener Bedeutungen. Viele der gezeigten Objekte stellen die Teilung der Kirche dar, wie das halb versteckte Kruzifix, die gebrochene Lautensaite und die auf den Noten geschriebene Hymne. Diese komplizierte Symbolik zeigt Holbeins Beherrschung des Details.

Das auffälligste Zeichen ist jedoch zweifellos der verzerrte Schädel, der den unteren Vordergrund dominiert. Geradeaus ist der grobe Umriss des Schädels noch zu erkennen, bei einer Bewegung nach links wird die volle Form deutlich. Holbein nutzt daher seine Beherrschung der Perspektive, um die mysteriöse, aber unbestreitbare Natur der Sterblichkeit widerzuspiegeln.


KINDERBEKLEIDUNG

Die Mikromode der 1530er Jahre spiegelte weiterhin die Trends der Erwachsenen wider. Wie Hill ironisch bemerkt: „Sogar die Hose vorpubertärer Jungen war mit der übertriebenen Form einer gepolsterten Hose versehen“ (355). Edward VI, Sohn von Heinrich VIII. (siehe Modeikone oben) und Jane Seymour (Abb. 14 oben), ist ähnlich wie sein Vater gekleidet mit goldenen Wamsärmeln und einem roten Samtwams, der mit Goldkordel verziert und mit goldenen gebunden ist Aigilletten. Seine rote Samthaube, die mit Straußenfedern und wiederum mit Aigilletten verziert ist, ähnelt stark der seines Vaters. Davenport stellt fest, dass die Verwendung von Aiguillettes hier und durch den Adel im Allgemeinen dazu diente, diesem „enorm populären Hut“ einen höheren Status zu verleihen (431).

Zwei Porträts des jungen Maximilian von Österreich (Abb. 2-3) zeigen die bei Jungen typischen hohen Kragen und kurzgeschnittenen Haare (Davenport 496). Die Glatze des Kleinkindes John, des Bruders von Maximilian, kontrastiert auf komische Weise mit seiner üppigen Erwachsenenkleidung.

Abb. 1 - Hans Holbein der Jüngere (Deutsch, 1497-1543). Edward VI als Kind, ca. 1538. Öl auf Holz 56,8 x 44 cm (22 3/8 x 17 15/16 in). Washington: Nationalgalerie, 1937.1.64. Andrew W. Mellon-Sammlung. Quelle: NGA

Abb. 2 - Jakob Seisenegger (Österreich, 1505-1567). Porträt von Maximilian von Österreich (1527-1576), im Alter von drei Jahren, 1530.Öl auf Holz 43 x 34,4 cm. Den Haag: Königliche Gemäldegalerie Mauritshuis, 271. Quelle: Mauritshuis

Abb. 3 - Jakob Seisenegger (Österreich, 1505-1567). Maximilian und seine jüngeren Brüder Ferdinand II. und John, 1539. Öl auf Leinwand 40 x 60 cm. Wien: Kunsthistorisches Museum, GG_8191. Quelle: Kunsthistorisches

Jan van Scorels Porträt eines jungen Studenten (Abb. 4) bietet einen seltenen Blick auf die Kleidung eines nicht-königlichen Individuums. Jane Huggett und Ninya Mikhalia beschreiben sein Outfit in Das Tudor-Kind (2013):

„Dieser bürgerliche Schuljunge ist schlicht aber anständig schwarz gekleidet mit roter Strickmütze. Er trägt ein Hemd aus fein gerafftem Leinen, das mit zwei Fadenknöpfen und Schlaufen befestigt ist. Darüber trägt er ein Doppel mit Stehkragen, das einteilig mit dem Körper geschnitten ist. Sein Mantel hat Faltenröcke und eine Öffnung, die von einer vorderen Verschlussklappe mit Punkten auf beiden Seiten der Brust bedeckt ist. Es hat auch einen integrierten Stehkragen.“ (29)

Die rotwangige Eleonore (Abb. 5) war das achte Kind von Erzherzog Ferdinand von Österreich (vor seiner Wahl zum Heiligen Römischen Kaiser) und seiner Gemahlin Anna von Böhmen und Ungarn, was ihren eher germanischen Kleidungsstil mit schmalen rosa verzierten Ärmeln erklärt mit schwarzen Samtbändern und transparenten Stoffpolstern.

Jan Gossaerts Porträt einer jungen Prinzessin, vielleicht Dorothea von Dänemark (Abb. 6) zeigt sie in einem eckigen Mieder mit einer leichten Erhöhung in der Mitte, mit großen cremefarbenen Ärmeln, die ineinandergreifende blaue Knoten darstellen und mit Hunderten von Perlen verziert sind. Ihr Kopfschmuck im französischen Haubenstil ist wieder mit vielen Perlen gesäumt – kein Outfit zum Herumtoben auf dem Spielplatz!

Abb. 4 - Jan van Scorel (Niederländisch, 1495-1562). Porträt eines jungen Studenten, 1531. Öl auf Holz 46,5 x 35 cm. Rotterdam: Museum Boijmans, 1797. Aankoop / Ankauf: 1864. Quelle: Boijmans

Abb. 5 - Jakob Seisenegger (Österreich, 1505-1567). Erzherzogin Eleanor (1534-1594), Herzogin von Mantua als Zweijährige, ca. 1536. Öl auf Linde 34 x 27 cm. Wien: Kunsthistorisches Museum, 872. Quelle: KHM

Abb. 6 - Jan Gossaert (Niederländisch, aktiv 1508 gestorben 1532). Eine junge Prinzessin (Dorothea von Dänemark?), ca. 1530-32. Öl auf Eiche 38,2 x 29,1 cm. London: Nationalgalerie, NG2211. Quelle: Nationalgalerie

Verweise:
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  • Boucher, François, Yvonne Deslandres und John Ross. Eine Geschichte der Kostüme im Westen: Mit 1188 Abbildungen, 365 in Farbe. London: Thames und Hudson, 1997. http://www.worldcat.org/oclc/443676264.
  • Cunnington, C. Willett und Phillis Cunnington. Handbuch der englischen Tracht im sechzehnten Jahrhundert. London: Faber und Faber, 1954. http://www.worldcat.org/oclc/362761.
  • Davenport, Millia. Das Kostümbuch. New York: Crown Publishers, 1948. http://www.worldcat.org/oclc/922657048.
  • De Marly, Diana. Mode für Männer: Eine illustrierte Geschichte. London: B. T. Batsford Ltd, 1985. http://www.worldcat.org/oclc/752978274.
  • „Deutsch/Niederländische Schule, 16. Jahrhundert – Porträt eines Mannes in Rot.“ Zugriff am 21. Juni 2019. https://www.rct.uk/collection/405752/portrait-of-a-man-in-red.
  • Hayward, Maria, Hrsg. Kleiden Sie sich am Hof ​​von König Heinrich VIII. Leeds: Maney, 2007. http://www.worldcat.org/oclc/997437672.
  • ———. Rich Apparel: Kleidung und das Gesetz im England Heinrichs VIII.. Farnham, England: Ashgate, 2009. http://www.worldcat.org/oclc/990796848.
  • Hill, Daniel Delis. Geschichte der Weltkostüme und Mode. Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2011. http://www.worldcat.org/oclc/768100950.
  • Huggett, Jane, Ninya Mikhaila, Jane Malcolm-Davies und Michael Perry. Das Tudor-Kind: Kleidung und Kultur 1485 bis 1625. Hollywood: Ziemlich spezifische Medien, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/925431430.
  • Mikhaila, Ninya und Jane Malcolm-Davies. Der Tudor-Schneider: Rekonstruktion des Kleides aus dem 16. Jahrhundert. Hollywood: Costume and Fashion Press, 2006. http://www.worldcat.org/oclc/937528534.
  • Reynolds, Anna. In Fine Style: Die Kunst der Tudor- und Stuart-Mode. London: Royal Collection Trust, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/824726826.
  • Royal Collection Trust. "Giulio Romano (Rom um 1499 - Mantua 1546) – Portrait von Margherita Paleologo." Zugriff am 21. Juni 2019. https://www.rct.uk/collection/405777/portrait-of-margherita-paleologo.


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